28 técnicas de composición que mejorarán tus fotos
No hay reglas inquebrantables a la hora de componer tus fotografías. Al fin y al cabo, ¿a quién le gustan las reglas, salvo al director de su antiguo colegio o a los jefes de los departamentos de Recursos Humanos? Sin embargo, hay varias pautas de composición fotográfica que puedes utilizar para mejorar la composición de tus fotos. Algunas de las ideas presentadas en este artículo existen desde hace milenios y han sido utilizadas en el arte y la arquitectura por algunos de los nombres más famosos de la historia.
Estas ideas se contradicen constantemente. Y no pasa nada. Ninguna de las ideas presentadas aquí es “mejor” que otra. Se pueden utilizar por separado, combinarlas o ignorarlas por completo en función de lo que quieras conseguir con tu fotografía. No te mandarán al despacho del director por ignorarlas. Te lo prometo. Después de todo, hay más de una forma de cocinar un huevo. Sin embargo, el huevo escalfado es obviamente la mejor manera, y lucharé contra cualquiera que diga lo contrario.
En este tutorial, he enumerado 28 de estas pautas junto con ejemplos de cada una de ellas. He empezado por las más básicas y he terminado con algunas de las técnicas de composición más avanzadas.
Composición fotográfica
En primer lugar, hay que definir qué se entiende por “composición”. La composición se refiere a la forma en que los distintos elementos de una escena se disponen dentro del encuadre. Como ya he dicho, no se trata de reglas rígidas, sino de directrices. Dicho esto, muchas de ellas se han utilizado en el arte durante miles de años y realmente ayudan a conseguir composiciones más atractivas. Yo suelo tener en mente una o varias de estas pautas cuando preparo una toma.
De un vistazo
He aquí un índice de las 28 técnicas de composición que se tratan en este artículo:
- #1. Regla de los tercios
- #2. Composición centrada y simetría
- #3. Interés y profundidad del primer plano
- #4. El marco dentro del marco
- #5. Líneas principales
- #6. Diagonales y triángulos
- #7. Motivos y texturas
- #8. Romper el patrón
- #9. Regla de las probabilidades
- #10. Rellenar el marco
- #11. Deje espacio negativo
- #12. Simplicidad y minimalismo
- #13. Usar blanco y negro
- #14. Aislar al sujeto
- #15. Disparar desde abajo
- #16. Dispara desde arriba
- #17. Busque combinaciones de colores particulares
- #18. Regla del espacio
- #19. Regla de izquierda a derecha
- #20. Equilibrar los elementos de la escena
- #21. Yuxtaposición
- #22. Triángulos de oro
- #23. Proporción áurea
- #24. Que el fondo contextualice el tema
- #25. Deja que el ojo recorra el encuadre
- #26. Utilizar capas en el marco
- #27. Añadir interés humano
- #28. Espere al “Momento decisivo”.
Empezaremos con la que probablemente sea la técnica de composición más conocida: La Regla de los Tercios.
#1. Regla de los tercios
Te acabo de decir que no hay reglas fijas en lo que respecta a la composición y lo primero sobre lo que escribo es la “regla” de los tercios. En mi defensa diré que el nombre no es mío. La regla de los tercios es muy sencilla. Se divide el encuadre en 9 rectángulos iguales, 3 a lo ancho y 3 a lo ancho, como se ilustra a continuación. Muchos fabricantes de cámaras han incluido la posibilidad de mostrar esta cuadrícula en el modo live view. Consulta el manual de tu cámara para ver cómo activar esta función.
La idea es situar el elemento o elementos importantes de la escena a lo largo de una o varias de las líneas o donde éstas se cruzan. Tenemos una tendencia natural a querer colocar el sujeto principal en el centro. Colocarlo fuera del centro siguiendo la regla de los tercios suele dar lugar a una composición más atractiva.
En esta foto, he colocado el horizonte aproximadamente a lo largo del tercio inferior del encuadre y los árboles más grandes y cercanos a lo largo de la línea de la derecha. La foto no tendría el mismo impacto si los árboles más grandes se hubieran colocado en el centro del encuadre.
En esta foto de la Plaza de la Ciudad Vieja de Praga, he colocado el horizonte a lo largo del tercio superior del encuadre. La mayoría de los edificios se sitúan en el tercio central y la propia plaza ocupa el tercio inferior del encuadre. Las agujas de la iglesia están situadas cerca de la línea horizontal a la derecha del encuadre.
En esta fotografía callejera tomada en Dublín, mi ciudad natal, he situado a la mujer de rojo caminando por la calle en el punto en que se cruzan dos de las líneas de la cuadrícula. La calle adoquinada ocupa aproximadamente el tercio inferior del encuadre; las fachadas de las plantas bajas de los edificios ocupan el tercio central y los pisos superiores de los edificios ocupan el tercio superior. Tener la cuadrícula de la regla de los tercios activada en live view en mi cámara me ayudó mucho con la composición cuando tomé esta fotografía.
#2. Composición centrada y simetría
Ahora que te he dicho que no coloques el sujeto principal en el centro del encuadre, te voy a decir que hagas exactamente lo contrario. Hay ocasiones en las que colocar un sujeto en el centro del encuadre funciona realmente bien. Las escenas simétricas son perfectas para una composición centrada. También quedan muy bien en encuadres cuadrados.
Esta foto del puente Ha’penny Bridge de Dublín, mi ciudad natal, era la candidata perfecta para una composición centrada. La arquitectura y las carreteras suelen ser temas ideales para composiciones centradas.
Las escenas que contienen reflejos también son una gran oportunidad para utilizar la simetría en la composición. En esta foto, he utilizado una mezcla de la regla de los tercios y la simetría para componer la escena. El árbol está descentrado a la derecha del encuadre, pero la simetría la aporta el agua del lago, perfectamente inmóvil. A menudo se pueden combinar varias pautas de composición en una sola fotografía.
Los encuadres cuadrados recortados pueden ser una opción adecuada para composiciones centradas. Al fin y al cabo, un cuadrado es completamente simétrico. Hace más de veinte años estudié francés e historia en esta universidad. Sin embargo, tenía muy poco tiempo para la fotografía, ya que estaba muy ocupado bebiendo cerveza y discutiendo con mis compañeros de estudios sobre la poesía francesa del siglo XVIII y los méritos del absolutismo ilustrado en Prusia.
La simetría no siempre tiene que ser vertical en la naturaleza. Los reflejos pueden ser la ocasión perfecta para captar la simetría horizontal. Las primeras horas de la mañana y al atardecer suelen ofrecer buenas oportunidades para este tipo de reflejos, ya que el aire se enfría y el viento amaina.
#3. Interés y profundidad del primer plano
Incluir algo de interés en el primer plano de una escena es una buena forma de darle profundidad. Las fotografías son 2D por naturaleza. Incluir un primer plano interesante en el encuadre es una de las muchas técnicas para dar a la escena un aspecto más tridimensional.
En esta fotografía de una cascada en Holanda, las rocas del río son una fuente perfecta de interés en primer plano.
Añadir interés al primer plano funciona especialmente bien con objetivos gran angular.
Tomé esta fotografía en los muelles de Dublín. Las cornamusas del muelle son el primer plano de la imagen. Creo que añaden profundidad a la composición. La cornamusa del muelle de esta escena estaba a sólo unos metros delante de mí cuando hice la foto. Incluirla en el encuadre da sensación de profundidad a la escena al incluir un elemento del que estaba bastante cerca, así como el puente y los edificios en la distancia y todo lo que hay entre ellos.
Un amigo que estaba conmigo aquella tarde tropezó con una de las cornamusas y casi acaba viendo de cerca el río Liffey. Supongo que es una forma de dar profundidad a la escena.
#4. El marco dentro del marco
Incluir un “marco dentro del marco” es otra forma eficaz de retratar la profundidad de una escena. Busca elementos como ventanas, arcos o ramas colgantes para enmarcar la escena. El “marco” no tiene por qué rodear toda la escena para ser eficaz.
En la foto de arriba, tomada en la Plaza de San Marcos de Venecia, utilicé el arco para enmarcar la Basílica de San Marcos y el Campanile en el extremo de la plaza. El uso de paisajes vistos a través de arcos era una característica común de la pintura renacentista como forma de retratar la profundidad. Como puedes ver, la plaza estaba completamente vacía cuando tomé la foto. Esta es una de las ventajas de levantarse a las 5 de la mañana. Madrugar es uno de mis momentos favoritos para salir con la cámara.
Los marcos no tienen por qué ser objetos artificiales, como arcos o ventanas. La foto de abajo fue tomada en el condado irlandés de Kildare. En esta ocasión, he utilizado el tronco del árbol de la derecha y la rama que sobresale para crear un marco alrededor de la escena que contiene el puente y el cobertizo para botes. Fíjate en que, aunque en este caso el “marco” no rodea toda la escena, añade sensación de profundidad.
Los elementos naturales, como los árboles, también pueden utilizarse para enmarcar una escena. En este caso, los árboles otoñales enmarcan el puente de piedra. En este caso, también he utilizado una composición centrada con el puente en el centro del encuadre. Ten en cuenta que el encuadre no tiene por qué rodear completamente al sujeto. Puede haber árboles a ambos lados, como en este caso.
Utilizar un “marco dentro de un marco” ofrece una gran oportunidad de utilizar el entorno para ser creativo en las composiciones.
#5. Líneas principales
Las líneas de dirección ayudan a guiar al espectador por la imagen y a centrar la atención en los elementos importantes. Cualquier cosa, desde caminos, paredes o patrones, puede utilizarse como línea de guiado. Echa un vistazo a los siguientes ejemplos.
En esta foto de la Torre Eiffel, utilicé los dibujos de los adoquines como líneas de dirección. Todas las líneas del suelo conducen al espectador a la Torre Eiffel en la distancia. También verás que he utilizado una composición centrada para esta escena. La simetría de mi entorno hizo que este tipo de composición funcionara bien.
Las líneas de dirección no tienen por qué ser rectas, como ilustra la imagen anterior. De hecho, las líneas curvas pueden ser elementos de composición muy atractivos. En este caso, el camino lleva al espectador a la derecha del encuadre antes de girar a la izquierda hacia el árbol. También utilicé la regla de los tercios al componer la imagen.
#6. Diagonales y triángulos
Se suele decir que los triángulos y las diagonales añaden “tensión dinámica” a una foto. Mi suegra también hace un excelente trabajo añadiendo tensión a cualquier escena. Pero, ¿qué entendemos por “tensión dinámica”? Es difícil de explicar y puede parecer un poco pretencioso. Las líneas horizontales y verticales sugieren estabilidad. Si vemos a una persona de pie sobre una superficie horizontal nivelada, parecerá bastante estable, a no ser que salga dando tumbos de un bar a las dos de la madrugada. Si lo colocamos en una superficie inclinada, parecerá menos estable. Esto crea un cierto nivel de tensión visual. No estamos tan acostumbrados a las diagonales en nuestra vida cotidiana. Inconscientemente sugieren inestabilidad. Incorporar triángulos y diagonales a nuestras fotos puede ayudar a crear esta sensación de “tensión dinámica”.
Incorporar triángulos a una escena es una forma especialmente eficaz de introducir tensión dinámica. Los triángulos pueden ser objetos triangulares reales o triángulos implícitos. Dentro de un momento lo explicaré con más detalle.
Esta foto del puente Samuel Beckett de Dublín incorpora muchos triángulos y diagonales a la escena. El propio puente es un triángulo real (en realidad se supone que representa un arpa celta). También hay varios triángulos “implícitos” en la escena. Fíjate en que las líneas de la derecha del encuadre son diagonales y forman triángulos que se unen en el mismo punto. Son triángulos implícitos. Tener diagonales que van en diferentes direcciones añade mucha “tensión dinámica” a la escena. Una vez más, puedes ver cómo he combinado dos técnicas para componer la imagen: las líneas principales y las diagonales.
En esta foto del Hotel de Ville de París, los triángulos y diagonales implícitos crean una sensación de tensión dinámica. No estamos acostumbrados a ver edificios inclinados en tales ángulos en nuestra vida cotidiana. Es un poco chocante para nuestro sentido del equilibrio. Esto es lo que crea la tensión visual. También puedes hablar de tensión dinámica para parecer inteligente (o irritantemente pretencioso) delante de tus amigos.
#7. Motivos y texturas
Los patrones atraen al ser humano por naturaleza. Son visualmente atractivos y sugieren armonía. Los motivos pueden ser artificiales, como una serie de arcos, o naturales, como los pétalos de una flor. Incorporar motivos a tus fotografías es siempre una buena forma de crear una composición agradable. Las texturas menos regulares también pueden ser muy agradables a la vista.
La foto de arriba está tomada en Túnez. He utilizado el dibujo de los adoquines para dirigir la mirada hacia el edificio abovedado. El propio edificio incorpora un dibujo en forma de serie de arcos. El tejado abovedado también complementa los arcos redondeados de abajo.
En esta segunda foto, también tomada en Túnez, me gustó mucho la textura de la piedra del suelo. Es menos regular que la de la primera foto, pero el juego de luces y sombras sobre la superficie es muy agradable. También hay texturas interesantes en las paredes y el techo del pasaje. También te habrás dado cuenta de que el arco crea un “marco dentro del marco” alrededor del hombre y la cafetería al otro lado del arco.
#8. Romper el patrón
A veces, utilizar un patrón en tu composición significa romper el patrón. De hecho, esto me lo sugirieron en uno de los comentarios del último artículo que escribí sobre composición.
Ya he dicho que algunas “reglas” están para romperlas. Lo mismo ocurre con los patrones. Romper un patrón puede hacer que tu fotografía destaque. En este caso, la vela roja destaca entre las de color vainilla. Además, es ligeramente más alta que las demás, lo cual es otra forma de romper el patrón. Fíjate en que la fotografía sigue respetando la regla de los tercios.
#9. Regla de las probabilidades
En el mundo de la fotografía hay muchas “probabilidades”, pero la “regla de las probabilidades” es algo totalmente distinto. Esta regla sugiere que una imagen es más atractiva visualmente si hay un número impar de sujetos. Según esta teoría, un número par de elementos en una escena distrae al espectador, que no sabe en cuál centrar su atención. Un número impar de elementos se considera más natural y agradable a la vista. Para ser sincero, creo que hay muchos casos en los que esto no es así, pero sin duda es aplicable en determinadas situaciones. ¿Y si tienes cuatro hijos? ¿Cómo decidir a cuál dejar fuera del plano? Personalmente, me guiaría por el potencial de ingresos futuros.
La foto de arriba es un ejemplo de la regla de las probabilidades. Enmarqué la escena deliberadamente para incluir tres arcos. Creo que dos arcos no habrían funcionado tan bien y podrían haber dividido la atención del espectador. También dio la casualidad de que había tres personas en la escena. Esta composición también utiliza patrones y “marcos dentro de un marco”.
En la foto de arriba de dos gondoleros en Venecia, verás que he ignorado por completo la regla de las probabilidades. Es cierto que tu atención puede ir y venir de uno a otro gondolero. Sin embargo, así es exactamente una conversación entre dos personas, un ir y venir. Por esta razón, creo que el número par de sujetos funciona en este caso.
Esta foto también se tomó en la Plaza de San Marcos. Esta vez, ignora por completo la “regla de los impares” varias veces en el encuadre. Hay dos sujetos humanos principales, cuatro farolas y dos columnas ornamentadas, todos ellos números pares.
También me costaría mucho sacar la amoladora angular para cortar una de las farolas. En cuanto a las columnas, no sé por dónde empezaría. Necesitaría una cuerda muy fuerte y un camión pesado como mínimo. En Venecia, eso habría sido todo un reto. Siempre podría pedirle a uno de los sujetos que abandonara la escena o pedirle a otro que se uniera a ellos, supongo. O podría simplemente ignorar la regla de las probabilidades.
#10. Rellenar el marco
Llenar el encuadre con el sujeto, dejando poco o ningún espacio a su alrededor, puede ser muy eficaz en determinadas situaciones. Ayuda al espectador a centrarse por completo en el sujeto principal sin distracciones. También permite al espectador explorar los detalles del sujeto que no sería posible si se fotografiara desde más lejos. Rellenar el encuadre a menudo implica acercarse tanto que puede llegar a recortar elementos del sujeto. En muchos casos, esto puede dar lugar a una composición muy original e interesante.
En la foto de mi gato, a la izquierda, verás que he llenado completamente el encuadre con su cara, recortando incluso los bordes de la cabeza y la melena. Esto permite al espectador centrarse en detalles como los ojos o las texturas de su pelaje. También te habrás dado cuenta de que he utilizado la regla de los tercios en esta composición. Es una mascota adorable, pero deberíais ver el estado de nuestros muebles. También le encantan los niños, pero no podría comerse uno entero.
En la segunda toma de la catedral de Notre Dame de París, he dejado muy poco espacio alrededor de los bordes del edificio. el objetivo de esta fotografía es mostrar el detalle arquitectónico de la fachada frontal del edificio.
En esta foto, la catedral de Notre Dame y los edificios adyacentes llenan casi por completo el encuadre. Esto nos permite explorar detalles como los arbotantes, la cantería o los balcones ornamentados del edificio contiguo. Es una escena en la que el ojo se pasea por el encuadre.
#11. Deje espacio negativo
Una vez más, voy a contradecirme por completo. En la última pauta, te dije que rellenar el encuadre funciona bien como herramienta de composición. Ahora voy a decirte que hacer exactamente lo contrario también funciona bien. Dejar mucho espacio vacío o “negativo” alrededor del sujeto puede resultar muy atractivo. Crea una sensación de simplicidad y minimalismo. Al igual que llenar el encuadre, ayuda al espectador a centrarse en el sujeto principal sin distracciones.
Esta foto de una estatua gigante del dios hindú Shiva en Mauricio es un buen ejemplo del uso del espacio negativo. La estatua es, obviamente, el tema principal, pero he dejado mucho espacio lleno sólo de cielo a su alrededor. Esto centra nuestra atención en la propia estatua, al tiempo que deja al sujeto principal “espacio para respirar”, por así decirlo. La composición también crea una sensación de simplicidad. No hay nada complicado en la escena. Es la estatua rodeada de cielo, eso es todo. También he utilizado la regla de los tercios para situar la estatua a la derecha del encuadre.
Esta sencilla fotografía de paisaje aprovecha el espacio negativo. La mañana brumosa ayudó a ocultar algunos de los elementos del fondo, haciendo que el árbol de la izquierda destacara sin apenas distracciones.
#12. Simplicidad y minimalismo
En la última pauta, vimos cómo dejar espacio negativo alrededor del sujeto principal puede crear una sensación de sencillez y minimalismo. La simplicidad en sí misma puede ser una poderosa herramienta de composición. A menudo se dice que “menos es más”. La simplicidad suele implicar hacer fotos con fondos sencillos que no distraigan la atención del sujeto principal. También puedes crear una composición sencilla acercando el zoom a una parte del sujeto y centrándote en un detalle concreto.
En esta primera foto, he hecho zoom sobre unas gotas de agua en una hoja de un jardín. Es un tema muy sencillo, pero también muy bello por su simplicidad. Un buen objetivo macro puede ser una herramienta muy útil para crear este tipo de fotos.
En esta segunda fotografía de un árbol al amanecer, he utilizado un fondo muy sencillo y despejado para centrar la atención en el árbol. Esta foto utiliza el “espacio negativo” para crear una sensación de sencillez y minimalismo. También he utilizado la regla de los tercios y las líneas principales en la composición.
#13. Usar blanco y negro
Convertir una fotografía a blanco y negro puede ser un método muy eficaz para simplificar la composición. En cierto modo, el propio color puede ser una distracción. La fotografía en blanco y negro a menudo nos permite centrarnos en las texturas, la luz, las sombras y las formas del encuadre. Echa un vistazo a las siguientes fotografías tomadas a lo largo de la Costa del Cobre, en el condado irlandés de Waterford.
La luz en esta versión en realidad no es tan interesante. Es esa dura luz diurna que rara vez favorece una fotografía de paisaje espectacular. Sin embargo, el lugar en sí tiene potencial. Veamos qué ocurre al convertir esta imagen a blanco y negro.
Una vez eliminada la “distracción” del color, creo que la toma adquiere mucha más fuerza. Esa luz dura ayuda ahora a resaltar las texturas del árbol, la hierba, los acantilados y el cielo. La atrevida forma del árbol destaca sobre el cielo y las nubes dispersas en el cielo tienen un aspecto más dramático. En mi opinión, el color ocultaba gran parte de esto. No todas las fotos se prestan a una conversión a blanco y negro, pero en este caso creo que sí.
#14. Aislar al sujeto
Utilizar una profundidad de campo reducida para aislar el sujeto es una forma muy eficaz de simplificar la composición. Con un diafragma amplio, puedes desenfocar el fondo que, de otro modo, podría distraer la atención del sujeto principal. Es una técnica especialmente útil para hacer retratos. Puedes obtener más información sobre cómo utilizar distintos ajustes de apertura en mi tutorial sobre Apertura, velocidad de obturación e ISO.
En esta foto de un gato escondido en una caja, he ajustado una apertura de f/3,5, que es muy amplia y da como resultado un fondo muy difuminado. De este modo, la atención se centra en el gato, ya que el fondo desenfocado distrae menos. Esta técnica es una forma excelente de simplificar una composición. Habrás observado que también utilicé esta técnica para centrar la atención en las gotas de agua de la hoja en la última pauta.
#15. Disparar desde abajo
La inmensa mayoría de las fotografías están tomadas desde la altura de la cabeza. En mi caso, eso no es muy alto, como demuestra mi experiencia con la bicicleta holandesa prestada. Agacharse o levantarse puede ser una buena forma de captar un punto de vista más dinámico o interesante. A menudo he visto a fotógrafos de fauna tumbarse boca abajo para conseguir esa toma especial.
Tomé esta fotografía de la Torre Eiffel de pie en su base y apuntando con la cámara hacia arriba. También era una ocasión perfecta para utilizar una composición centrada debido a la simetría del sujeto. Esto significa que tengo una foto que es un poco diferente de la mayoría de las tomas de este monumento parisino.
A veces, para encontrar el punto de vista perfecto hay que mojarse los pies. Esta es una foto que tomé en un arroyo de Ballyhoura, en el condado irlandés de Limerick. Tuve que esperar un buen rato a que pasara un chaparrón y volviera a salir el sol. Pero mereció la pena para poder agacharme y captar el movimiento del agua al fluir sobre las rocas. Después necesité varios whiskys calientes para volver a entrar en calor.
#16. Dispara desde arriba
Siempre que visito un lugar nuevo, me gusta elevarme al menos una vez. También me gusta hacer fotos desde un punto elevado en algún momento de mi viaje. Antes de mi viaje, siempre investigo las posibilidades de hacer fotos a vista de pájaro. La mayoría de las ciudades y pueblos suelen tener un edificio alto o un campanario al que se puede subir para hacer fotos desde lo alto. Eso sí, asegúrate de que permiten trípodes si piensas llevar uno.
Tuve que esforzarme mucho para conseguir esta foto de la plaza Markt, en el corazón de Brujas. Para empezar, tuve que subir mi equipo fotográfico por 366 estrechos escalones hasta lo alto del Campanario. Menos mal que estoy en forma. Bueno, redondo es una forma, ¿no? Mientras avanzaba con dificultad hacia la cima, creo que algunos de mis compañeros temían que necesitara atención médica. De hecho, conocí a un tipo cuya oficina estaba justo en la cima del campanario. Me dijo que subía y bajaba de la torre varias veces al día con traje y zapatos de vestir. Mientras que yo parecía que acababa de escalar el Everest, él apenas sudaba.
Cuando uno piensa en lugares de París para subir a lo alto, inmediatamente piensa en la Torre Eiffel. El problema de fotografiar desde lo alto de la estructura más emblemática de París es que no puedes incluir la Torre Eiffel en tu toma. Por eso, el mirador de la Torre Montparnasse, en el sur de la ciudad, es un lugar mucho mejor para captar una vista de pájaro de la Ciudad de la Luz. La torre en sí es un edificio bastante feo, la verdad, así que estar en lo alto tiene la ventaja añadida de que no puedes verla mientras estás allí arriba.
Esta fotografía se tomó justo después de la puesta de sol, cuando aún quedaba algo de color en el cielo. Esperé el “momento decisivo” en el que la Torre Eiffel brillaba como lo hace durante un minuto cada hora de la noche. Sin embargo, si hubiera esperado una hora más, los hermosos tonos púrpura del cielo habrían desaparecido.
#17. Busque combinaciones de colores particulares
El uso del color es una herramienta de composición que a menudo se pasa por alto. La teoría del color es algo con lo que están muy familiarizados los diseñadores gráficos, los diseñadores de moda y los interioristas. Ciertas combinaciones de colores se complementan bien y pueden resultar visualmente muy llamativas.
Echa un vistazo a la rueda de colores de arriba. Puede ver que los colores están dispuestos lógicamente en los segmentos de un círculo. Los colores opuestos en el círculo cromático se denominan “colores complementarios”. Como fotógrafos, podemos buscar escenas que incorporen colores complementarios para crear composiciones atractivas e impactantes.
¿Se ha fijado alguna vez en que muchos carteles de cine tienen combinaciones de colores azul y amarillo/naranja? Esto se hace deliberadamente para crear anuncios llamativos.
Yo mismo utilicé la llamativa combinación de colores azul y amarillo en esta fotografía de la Custom House de Dublín. Los tonos amarillos del edificio iluminado contrastan maravillosamente con el azul intenso del cielo azul de la hora.
El rojo y el azul también son colores complementarios en la rueda cromática. El año pasado, el centro comercial Stephen’s Green de Dublín se iluminó de rojo por Navidad. Resultaba muy llamativo en contraste con el azul intenso del cielo nocturno. Me encanta fotografiar ciudades durante la hora azul. El azul profundo del cielo a esa hora proporciona un telón de fondo muy atractivo a la arquitectura y las luces de la ciudad. El negro puro del cielo nocturno no es tan llamativo y contrasta demasiado con las luces de la ciudad.
#18. Regla del espacio
La regla del espacio se refiere a la dirección hacia la que mira o se mueve el sujeto de la foto. Por ejemplo, si haces una foto de un coche en movimiento, debe haber más espacio en el encuadre delante que detrás del coche. Esto implica que hay espacio en el encuadre para que el coche se mueva. Observa el ejemplo del barco que aparece a continuación.
En esta foto, el barco se sitúa en el lado izquierdo del encuadre mientras se desplaza de izquierda a derecha. Fíjate en que hay mucho más espacio para que la barca se mueva delante de su dirección de movimiento (hacia la derecha) que detrás. Podemos imaginar mentalmente que el barco se mueve en este espacio mientras navega por el río. También tenemos la tendencia subconsciente de mirar hacia delante, hacia donde se dirige un objeto. Si el barco se situara en la parte derecha del encuadre, nos sacaría de la fotografía.
Esta regla también puede aplicarse a las fotos de personas. La regla del espacio sugiere que el sujeto mire o mire hacia el interior del encuadre y no hacia el exterior. Fíjate en el músico de la foto de arriba. Compuse la foto con él sentado en la parte izquierda del encuadre. Está mirando hacia la derecha (cuando le vemos), hacia el espacio que hay entre él y el borde derecho del encuadre. Si hubiera mirado hacia el otro lado, estaría mirando fuera del encuadre y resultaría extraño. Al mirar hacia el espacio del encuadre, dirige nuestra mirada más allá del hombre apoyado en la barandilla y hacia la pareja que baila a la derecha.
Es cierto que no soy un gran fotógrafo deportivo, pero me gusta bastante esta foto que tomé con mi teléfono durante un partido de rugby del poderoso Leinster. Obsérvese cómo el pateador (Johnny Sexton) está situado a la izquierda del encuadre y el balón se desplaza hacia el espacio de la derecha. Por cierto, él hizo la patada.
Cuando yo era niño, el moderno estadio que se ve en la fotografía aún no se había construido. En su lugar, había un viejo campo bastante básico y decadente llamado Lansdowne Road. Por aquel entonces, mi padre me levantaba por encima de los torniquetes para entrar gratis. Hace poco volvimos a intentarlo, pero con menos éxito. Ahora tengo 41 años, he engordado unos cuantos kilos desde que era niño y a mi padre le han operado de la cadera.
#19. Regla de izquierda a derecha
Hay una teoría que dice que “leemos” una imagen de izquierda a derecha de la misma manera que leeríamos un texto. Por esta razón, se sugiere que cualquier movimiento retratado en una fotografía fluya de izquierda a derecha. Esto está muy bien, pero supone que el espectador procede de un país en el que el texto se lee de izquierda a derecha. Muchos idiomas se leen de derecha a izquierda, como el árabe, por ejemplo. La verdad es que he visto muchas fotografías fantásticas que “fluyen” de derecha a izquierda.
Una vez me criticó un juez por el hecho de que una mujer en una foto que tomé caminaba de derecha a izquierda. Me dijo que no seguía la regla de “izquierda a derecha”. Le recordé que la foto había sido tomada en Túnez, donde la gente lee de derecha a izquierda. No gané.
La foto de arriba sigue la regla de “izquierda a derecha”. La mujer que pasea a su perro en el Jardín de las Tullerías de París camina de izquierda a derecha del encuadre.
Esta foto también cumple la “regla del espacio”. Observarás que hay mucho más espacio delante que detrás de la mujer. Tiene mucho “espacio” para caminar dentro del encuadre. También he utilizado la regla de los tercios y el “marco dentro del marco” para componer esta fotografía.
En esta fotografía, he ignorado por completo la regla de izquierda a derecha. ¿Sufre la fotografía por ello? Creo que no. Lo que me interesaba era la mujer caminando por el hermoso campo mientras miraba su teléfono (como hacemos tan a menudo hoy en día), así como los coloridos edificios bañados por la luz del atardecer. Francamente, no me importa en qué dirección camina. Supongo que podría haberle pedido que volviera por donde había venido.
Una vez, durante un concurso de club, un juez me quitó puntos de una foto que hice en Túnez por no respetar la regla de izquierda a derecha. Yo argumenté que, como la foto había sido tomada en un país árabe donde la gente lee de derecha a izquierda, esto no debería aplicarse. Como era de esperar, no gané.
#20. Equilibrar los elementos de la escena
La primera pauta de composición que vimos en este tutorial fue la Regla de los Tercios. Esto significa, por supuesto, que a menudo colocamos el sujeto principal de la foto a un lado del encuadre a lo largo de una de las líneas verticales de la cuadrícula. A veces, esto puede provocar una falta de equilibrio en la escena. Puede dejar una especie de “vacío” en el resto del encuadre.
Para solucionarlo, puedes componer la toma para incluir un sujeto secundario de menor importancia o tamaño al otro lado del encuadre. Así se equilibra la composición sin quitar demasiado protagonismo al sujeto principal de la fotografía.
Eche un vistazo a esta fotografía de la ornamentada farola del Puente Alejandro III de París.
La propia farola ocupa la parte izquierda del encuadre. La Torre Eiffel, a lo lejos, hace de contrapeso en el otro lado del encuadre.
Habrás observado que esto parece ir en contra de la idea de espacio negativo mencionada en la directriz número 10. También contradice la “regla de las probabilidades”, ya que ahora tenemos un número par de elementos en la escena. También contradice la “regla de las probabilidades”, ya que ahora tenemos un número par de elementos en la escena. Como dije al principio de este tutorial, no hay reglas inquebrantables en la composición fotográfica. Algunas de estas pautas se contradicen entre sí y no pasa nada. Algunas pautas funcionan bien para determinados tipos de fotografías y otras no. Es cuestión de criterio y experimentación.
La foto de arriba fue tomada en Venecia. Una vez más, una farola decorativa domina un lado del encuadre. La torre de la iglesia, a lo lejos, aporta equilibrio al otro lado del encuadre.
Esto también tiene un efecto secundario en la composición. La torre de la iglesia a lo lejos es evidentemente mucho más grande que la farola en la vida real. En la fotografía parece más pequeña porque está lejos. Esto ayuda a dar profundidad y escala a la escena.
#21. Yuxtaposición
La yuxtaposición es una herramienta de composición muy poderosa en fotografía. La yuxtaposición se refiere a la inclusión de dos o más elementos en una escena que pueden contrastar entre sí o complementarse. Ambos enfoques pueden funcionar muy bien y desempeñan un papel importante para que la foto cuente una historia.
En esta fotografía se aprecia una yuxtaposición entre los bellos edificios antiguos de La Haya, en la mitad inferior del encuadre, y los modernos rascacielos que se alzan tras ellos. El hermoso edificio del centro es el Museo Mauritshuis, que alberga cuadros como “La joven de la perla” y “La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp”, de Rembrandt.
Pasé unos días pedaleando por La Haya en una bicicleta prestada hecha para un holandés de 1,90 metros. Yo soy un irlandés de 1,70, así que fue divertido y bastante aterrador esquivar los tranvías por las calles empedradas y desiguales. En varias ocasiones, las ruedas de mi bicicleta se atascaron en la vía del tranvía. En este caso, básicamente tienes dos opciones: caer hacia la izquierda o hacia la derecha. Intenté ambas en múltiples ocasiones.
Fíjate en esta foto tomada en París. En la mitad inferior del encuadre, tenemos los puestos de libros algo desordenados y los carteles colgando de las tapas. Por encima de todo esto, sin embargo, está la magnífica catedral medieval de Notre Dame. Esta joya arquitectónica es el epítome del orden y la estructura, a diferencia de las poco sofisticadas pero atractivas casetas de libros de abajo. Parecen contrastar directamente, pero funcionan bien juntas. Ambas representan la ciudad de París de maneras diferentes. Cuentan una historia sobre dos elementos diferentes de la ciudad.
En este caso, las delicadas rosas rosadas contrastan con el sólido edificio artificial del fondo. En este caso, he desenfocado el fondo, pero no tanto como para que no podamos distinguir lo que hay allí. Ya lo vimos en la sección sobre cómo dejar que el fondo aporte contexto.
La foto de arriba también fue tomada en Francia, pero esta vez en el pintoresco pueblecito de Meyssac, en el suroeste del país. En esta foto, el viejo Citroën 2CV se ve perfectamente en casa delante del típico café francés del fondo. Los dos elementos se complementan a la perfección. El hombre que está de espaldas a nosotros en la cafetería es el propietario del coche y pareció sorprendido cuando le pregunté si podía hacerle una foto. Me preguntó por qué iba a querer hacerle una foto a “esa cosa vieja”. No parecía darse cuenta de que, sin darse cuenta, había creado una escena francesa por excelencia al aparcar delante de ese café en concreto.
#22. Triángulos de oro
La composición de triángulos de oro funciona de forma muy similar a la regla de los tercios. Sin embargo, en lugar de una cuadrícula de rectángulos, dividimos el encuadre con una línea diagonal que va de una esquina a otra. A continuación, añadimos dos líneas más desde las otras esquinas a la línea diagonal. Las dos líneas más pequeñas se encuentran con la línea grande en ángulo recto, como se ilustra a continuación. Esto divide el marco en una serie de triángulos. Como puedes ver, esta forma de componer nos ayuda a introducir un elemento de la “tensión dinámica” sobre la que aprendimos en la directriz número 6. Al igual que con la regla de los tercios, utilizamos las líneas (de los triángulos en este caso) para ayudarnos a colocar los distintos elementos de la escena.
La foto de arriba contiene fuertes diagonales que siguen las líneas de los “triángulos dorados”. Las estelas luminosas del tráfico siguen perfectamente la línea diagonal que va de la esquina superior derecha a la esquina inferior izquierda. La parte superior de los edificios de la izquierda está cerca de la diagonal más pequeña de la izquierda. La línea pequeña de la derecha se encuentra con la línea mayor en la esquina superior de los edificios.
La foto de arriba utiliza la “regla de los triángulos” de forma más sutil. Las cabezas de las estatuas crean un “triángulo implícito”. Esta línea nos lleva a la Torre Eiffel en la distancia. La línea más pequeña de la izquierda se une a la más larga justo en el punto medio de la Torre Eiffel. La línea más pequeña de la derecha pasa justo entre las dos estatuas. La regla de los triángulos puede parecer una forma compleja de organizar una foto, pero puede dar lugar a composiciones realmente sorprendentes.
#23. Proporción áurea
¿Qué es la proporción áurea? Bueno, en realidad es muy sencillo: dos cantidades están en la proporción áurea si su razón es la misma que la razón entre su suma y la mayor de las dos cantidades. Espera, ¿y ahora qué? Vale, si te parece demasiado complicado, quizá esta fórmula matemática te ayude:
¿Cómo que ahora estás más confuso? ¿Esta forma es más clara?
Ok, eso parece haber empeorado las cosas. Olvida todo eso.
A menudo describo la proporción áurea como una versión ligeramente más complicada de la regla de los tercios con un poco del método de los triángulos áureos. Echa un vistazo a la siguiente imagen.
En lugar de dividir el marco en rectángulos iguales, se divide en una serie de cuadrados, como en el ejemplo anterior. Es lo que se conoce como “cuadrícula Phi”. Estos cuadrados se utilizan como guía para añadir una espiral parecida a la concha de un caracol, lo que se conoce como “espiral de Fibonacci”.
Estos cuadrados, líneas y espirales se utilizan para disponer los elementos en el encuadre, como la regla de los tercios y los triángulos áureos. La espiral debe guiar al ojo por el encuadre y mostrarnos cómo debe fluir la escena. Es como una línea de dirección invisible. En breve hablaremos con más detalle de las líneas de dirección.
Las similitudes con la regla de los tercios y los triángulos áureos se hacen más evidentes cuando añadimos algunas líneas al diagrama. La proporción áurea también divide el cuadro en 9 partes, aunque esta vez no todas tienen el mismo tamaño ni la misma forma. Las diagonales que vimos en los ejemplos de triángulos áureos también pueden añadirse aquí.
Se cree que el método de composición de la espiral áurea existe desde hace más de 2.400 años y que fue ideado en la antigua Grecia. Se utiliza en muchos tipos de arte y arquitectura para crear composiciones estéticamente agradables. Se empleó especialmente en el arte del Renacimiento.
Tengo que admitir algo. Nunca me he propuesto componer una fotografía utilizando la proporción áurea. Cuando repasé mis fotografías, me di cuenta de que la había utilizado sin querer unas cuantas veces.
He aquí un ejemplo perfecto de uno de mis usos accidentales de la proporción áurea. Tomé esta foto en Venecia. El puente y la escalinata de la izquierda ocupan el gran cuadrado de la derecha. La espiral de Fibonacci nos lleva desde aquí a través de la parte superior del puente hasta las dos mujeres sentadas junto a él. Puede que haya sido un afortunado accidente, ¡pero parece que funciona!
La proporción áurea puede establecerse en diferentes direcciones. En esta foto tomada en Praga, la espiral nos lleva a través del puente hasta el castillo de la orilla opuesta. ¡Otro afortunado accidente!
En este caso, la espiral de Fibonacci empieza en la esquina superior derecha, pasa por debajo de la pareja que baila y termina en la cara del músico callejero. El hecho de que tropezara accidentalmente con la proporción áurea unas cuantas veces demuestra cuántas de estas “reglas” de composición pueden ser en realidad manifestaciones de nuestras preferencias estéticas internas que nos vienen dadas de forma natural. Woah. Profundo. Nos recuerda que deben utilizarse como ideas y no como reglas estrictas.
#24. Que el fondo contextualice el tema
Ahora es el momento de contradecirme de nuevo. Hay ocasiones en las que me gusta utilizar un fondo recargado. En estos casos, quiero que el fondo proporcione algo de contexto a mi sujeto.
En esta fotografía no aparece ninguna gaviota vieja. Es una gaviota de Dublín. La calle O’Connell, ligeramente borrosa al fondo, da contexto al sujeto. El hecho de que estuviera comiendo un bol de bacalao y bebiendo Lyons Tea cuando la vi también me hizo saber que se trataba de una gaviota de Dublín. Fíjate en que el fondo sigue desenfocado, pero no tanto como para que la gaviota no destaque. Se trata de conseguir un equilibrio entre no distraer la atención del sujeto y proporcionar un contexto de fondo.
Tomé esta fotografía de una rosa en un monasterio a las afueras de Bucarest, Rumanía. Una vez más, he difuminado el fondo lo suficiente para que la rosa destaque. Sin embargo, hay suficiente detalle para mostrar al espectador el contexto en el que se fotografió la rosa.
#25. Deja que el ojo recorra el encuadre
Y para mi siguiente truco, volveré a contradecirme por completo. Es la antítesis del concepto de simplicidad y minimalismo. Hay ocasiones en las que me gusta hacer fotografías en las que sucede mucho en el encuadre. Echa un vistazo a los cuadros de Pieter Bruegel para ver un excelente ejemplo de arte con un montón de personajes y actividades diferentes sucediendo en el encuadre.
Esta fotografía fue tomada en la zona de Temple Bar de la ciudad de Dublín. El encuadre está lleno de diferentes personajes y actividad. En este caso, el ojo puede vagar por el encuadre fijándose en todos los pequeños detalles, como las flores, los detalles del edificio y varias personas caminando, saliendo de un edificio o consultando su teléfono en el exterior de un pub. No hay un sujeto principal.
No se trata de que la simplicidad sea preferible a la complejidad o viceversa. Una no es intrínsecamente “mejor” que la otra. Todo depende de lo que se intente conseguir con una fotografía concreta.
#26. Utilizar capas en el marco
Una forma muy eficaz de añadir sensación de profundidad a una fotografía es fotografiar una escena que contenga capas de elementos a distintas distancias de tu punto de vista. Estas capas pueden guiar al ojo a través de la escena desde el primer plano, pasando por la media distancia, hasta el fondo.
En esta fotografía de un canal de Brujas, el puente aparece en primer plano. Los edificios a lo largo del canal proporcionan la siguiente capa en la distancia media. Estos edificios conducen al espectador a través de la imagen hacia los elementos más distantes. Por último, el campanario de una iglesia lejana se eleva por detrás de los demás edificios del fondo. En este caso, hice lo contrario que en las fotos con interés en primer plano; utilicé un objetivo zoom para comprimir la perspectiva.
#27. Añadir interés humano
Incluir algo de interés humano en una escena puede hacer que una fotografía sea mucho más atractiva, además de añadir una sensación de escala. esto es algo que a veces olvido como fotógrafo de paisajes principalmente urbanos. Me he dado cuenta de que la mayoría de mis mejores fotografías urbanas incluyen personas en algún lugar del encuadre.
El puente viejo de la gran ciudad de Tavira, en Portugal, es un lugar fotográfico muy atractivo en sí mismo. Esta fotografía habría sido bastante buena sin ningún tipo de interés humano, pero creo que la figura solitaria realmente hace esta toma. La persona añade vida a la escena y da una sensación de escala al entorno. Tuve que esperar un rato a que la persona adecuada entrara en escena y pulsar el disparador en el momento justo. A continuación veremos cómo captar estos “momentos decisivos”.
#28. Espere al “Momento decisivo”.
La idea del “momento decisivo” en fotografía se asocia sobre todo con el gran fotógrafo callejero francés Henri Cartier-Bresson. Pero, ¿qué entendía Cartier-Bresson por “momento decisivo”? El propio gran hombre dijo la siguiente cita sobre fotografía:
Tu ojo debe ver una composición o una expresión que la vida misma te ofrece, y debes saber con intuición cuándo pulsar la cámara. -Henri Cartier-Bresson
En el caso de Henri Cartier-Bresson, esto significaba hacer clic con la cámara en el momento exacto en que un hombre saltaba sobre un charco detrás de la Gare Saint Lazare o capturar la fugaz expresión descarada de un niño francés mientras llevaba alegremente una botella de vino en cada mano por las calles de París.
Esta es una de mis fotografías favoritas. La tomé una mañana de niebla en la pintoresca ciudad belga de Brujas. La ubicación de esta fotografía era ciertamente interesante, pero para mí es el hombre que cruza el puente en bicicleta lo que la hace especial.
Esta fue una de esas ocasiones en las que tuve que esperar al momento exacto para pulsar el disparador. Me agaché junto a la pared lateral de un canal, compuse la toma y esperé…, esperé… y esperé un poco más. De vez en cuando, alguien cruzaba el puente en bicicleta, pero la foto se estropeaba porque venía un coche en dirección contraria o porque el ciclista parecía demasiado moderno para el ambiente que yo quería crear en la foto final… ¡muy desconsiderado, en mi opinión!
Finalmente, al cabo de unos 45 minutos, vi al caballero que se ve en la foto acercándose al puente. Esperé hasta que estuvo justo delante del edificio de color claro que se ve justo detrás de él para que destacara y pulsé el disparador.
Fue uno de esos momentos en los que supe enseguida que había conseguido la foto que quería en ese lugar. Creo que mereció la pena esperar. Tuve bastante suerte, ya que venía un coche en dirección contraria dispuesto a estropearme la toma. Por suerte, el ciclista llegó antes que él al puente. Creo que debería plantearse participar en el Tour de Francia este año.
A veces, para captar el “momento decisivo” hay que estar en el lugar adecuado en el momento oportuno. En este caso, ya había preparado mi cámara para fotografiar los antiguos salones de té del parque victoriano Phoenix Park de Dublín. Mientras esperaba, una joven pareja entró en el encuadre y se despidió con un tierno beso frente a las puertas de los salones de té. Tanto la paciencia como la suerte juegan un papel importante a la hora de captar el “momento decisivo” en tus fotografías.
Aplica estos consejos de composición a tu fotografía
Te he dicho que a menudo es posible combinar dos o más de las ideas de composición que he tratado en una fotografía.
Esta fotografía tomada en Bruselas combina varias de las ideas que hemos tratado en esta sección: composición centrada, simetría, regla de los tercios, líneas principales, regla de los impares, encuadre dentro de un encuadre y teoría del color.
Obviamente, sería imposible tener todas estas pautas de composición en la cabeza mientras se está fotografiando. Se te fundiría el cerebro. Sin embargo, un buen ejercicio es esforzarse por utilizar una o dos de ellas cada vez que salgas. Por ejemplo, puedes hacer una sesión fotográfica en la que busques situaciones para utilizar un “encuadre dentro de otro encuadre”.
Al cabo de un tiempo, verás que muchas de estas pautas se arraigan. Empezarás a utilizarlas de forma natural, sin tener que pensar en ellas. Como puedes ver en la proporción áurea, ¡incluso utilicé una de ellas sin darme cuenta!
Espero que este tutorial te haya resultado útil y te ayude a llevar tu fotografía al siguiente nivel.
P.D. Otro ejercicio que podrías hacer es mirar algunas de las fotos de mis galerías o de cualquier colección de fotos e intentar ver si puedes distinguir qué técnicas de composición se han utilizado.
Sobre el autor: Barry O Carroll es un fotógrafo afincado en Dublín (Irlanda) especializado en fotografía de paisaje, con especial atención a los paisajes urbanos, las escenas callejeras y la fotografía de arquitectura. Puede encontrar más obras suyas en su sitio web o siguiéndole en Facebook y Twitter.
